춤 동작의 원천: 앞의 몇 장에서 말했듯이, 하나는 생활 동작의 정제에서 나온 것이고, 다른 하나는 동서고금의' 춤 소재' (즉, 우리가 평소에 보고, 듣고, 배우는 기본적인 대물) 에서 나온 것이다. 그것을 작품 중의' 무용어' 로 만들려면 내용과 인물의 필요에 따라 다듬어야지, 억지로 모방해서는 안 된다.

1. 감정은 동작의 메시지다. 안무는 먼저 인물의 어떤 감정과 성격을 표현해야 하는지 알아야 한다. 우선 무용구조의 단서에 따라 캐릭터의 끊임없는 심정, 의식, 심지어 잠대사, 그 맥락을 따라 동작을 조각해야 한다. 자신을 먼저 캐릭터에 들어가게 하고, 작품 속 인물들이 자신에게 살도록 할 수 있다. (윌리엄 셰익스피어, 햄릿, 캐릭터명언) 그런 다음 캐릭터에 깊이 들어가 자신이 축적한 생활 무용 소재에서 이 곳을 물색하고 추출해 내는 데 필요한 춤 이미지를 체험하는 것을 액션의 원동력으로 삼는다. (윌리엄 셰익스피어, 템플린, 자기관리명언) (윌리엄 셰익스피어, 템플린, 자기관리명언) (윌리엄 셰익스피어, 윈스턴, 자신감명언)

3. 춤의' 의경': 산은 높고 물은 맑지 않고, 춤의 동작은' 번잡함' 과' 제인' 이 아니라' 의경' 을 부각시킬 수 있다. 무용작품의' 의경' 은 주제 사상을' 시화' 로 바꾸는 예술 구상이며,' 정' 과' 뜻' 과' 경' 과' 경' 의 통일이며, 그것은 인간의 이상이다. 무용작품' 의경' 은 대국이다. 안무는 대국적으로 착안하고, 작은 곳에서 시작하여, 동작을 둘러싸고 의경을 생각해야 한다.

4. 춤의 주제 동작: 작품 무용의 이미지를 만드는 대표적 동작이다. 이런 방법은 민간무용에서 흔히 볼 수 있다. 각 지역의 민족 민간 무용은 끊임없이 변화무쌍하지만, 항상 그렇게 몇 가지 가장 대표적인 동작을 빼놓을 수 없다. 그것들은 무용작품에서' 무용언어' (동작조합) 의 기초와 반복되는 관통동작이 되었다.

액션 조합은 생동감 있고, 매끄럽고, 감동적이어야 한다. 주의 사항:

A, 대비성의 변화가 있어야 한다: 대비는 시간 (리듬) 의 속도와 느린 것, 강함과 약한 것, 연장과 짧은 것 등이 있다. 공간 (모양) 의 크고 작은 것, 높고 작은 것, 사각 (선이 날카롭고 모서리가 있음) 과 원 (부드럽고 둥글다), 놓기 (뻗기), 수축 (축소), 움직임, 정적 등이 있습니다. 대비성 동작은 감정 변화의 기복을 증가시켜 각종 감정을 상대적으로 더욱 뚜렷하고 두드러지게 보이게 하기 때문에 무용 언어를 더욱 생동감 있게 만들 수 있다.

B, 필요한 반복, 재현: 춤과 음악은 모두 시간적인 예술이다. 춤은 아직 공간의 이미지밖에 없지만,' 조각' 처럼 영원히 거기서 지켜볼 수는 없다. 무용이미지와' 의경' 을 관중의 마음에 남기기 위해서는 반복 재현 수법도 필수적이다. 그 방법은 다양할 수 있다:

(1) 주제 동작이 시종일관 관통한다.

(2) 주제 동작은 줄거리, 단락, 리듬에 따라 변한다.

(3) 주요 댄스 그룹 (단락) 이 반복적으로 나타납니다.

(4) 시작과 끝은 같은 춤 처리나' 의경' 의 재현이다.

무대의 구도에 대하여 우리나라 전통 심미 습관은' 균형',' 균형' 이다. "균형" 은 종종 "편향하지 마라" 라고 말한다. 균형 잡힌 구도는 두 가지가 있는데, 하나는 대칭 균형이고, 다른 하나는 비대칭 균형이다. 구도에 따라 관객들에게 다른 직감을 남길 수 있다. 원은 사람을 풍만하게 한다. 정사각형은 엄숙하고 가지런해 보인다. 삼각형은 둘 사이에 있고, 더 유연하며, 다양한 모양의 작은 단위를 형성하기 쉽다. 호형은 종심의 느낌을 가지고 있다. 종대는 접근하고 억압하는 느낌이 있다. 가로-평화; 비스듬한 줄-앞길이 원대하다.

무대 스케줄링에서: 직선으로 가면 가까워 보이고, 길은 짧다. 걷는 곡선은 멀리 떨어져 있고 길은 길다. "8" 자, 거리는 무한하다. 아침부터 저녁까지 갈 수 있다. 이렇게 하면 뒤에서 앞으로, 먼 곳에서 가까운 느낌을 줄 수 있다. "v" 라는 단어는 앞으로, 충격, 스트레스의 감각을 가지고 있습니다. 교차 대형은 긴장, 불 같은 분위기를 연출할 수 있다. 밀집에서 확산에 이르는 대형은 점령의 욕망을 불러일으켜 기세와 힘을 막을 수 없는 강렬한 분위기를 조성할 수 있다. 갑자기 앞, 뒤, 뒤, 왼쪽, 오른쪽 대형은 격동과 순식간에 변하는 느낌을 주는데, 풍랑 속 행선, 가슴 기복의 환각, 격렬한 전투 등을 나타낼 수 있다.

춤의 구도는 고립된 디자인이 될 수 없고, 춤 동작과 결합해야 하며, 의류, 소품과도 분리될 수 없다는 점을 설명해야 한다.

6. 배우 선택 리허설 춤: 배우를 선택할 때 (1) 캐릭터를 만드는 데 필요한 춤 기술과 기교를 감당할 수 있는지 고려해야 한다. (2) 캐릭터의 신분, 성격, 외형, (3) 프로그램 장르가 배우에게 요구하는 특색에 부합하는지 여부 (예: 배우가 코미디형인지 비극형인지, 서정적인지, 무술형인지 등).

배우를 확정한 후, 감독은 작품의 주제, 내용, 인물, 줄거리, 장면 (단락), 그림을 배우에게 해부하여 작품에 대한 명확하고 완전한 개념을 갖도록 해야 한다. 배역을 더 분석하고 배우의 임무를 분명히 한 후 댄스곡을 익히고, 그 다음에는 한 단락의 리허설 (피아노나 간단한 악기로 반주) 이 완성될 때까지 한 단락의 리허설 (피아노나 간단한 악기로 반주) 을 한다.

A, 리허설: 먼저 굵은 줄 (즉, 선반), 그룹 가능한 동작, 처음부터 끝까지

B, 관객에게 리허설을 적절히 부탁하면 배우의 정서를 높일 수 있다.

C, 리허설에서 반드시 주의해야 한다: 배우는 반드시 캐릭터에 들어가야 한다.

7. 합악: 합악과 동작이 동기화되어 수업이 끝난 후 합락이다.

8. 무대 합성: 우리가 말하는 리허설, 작품을 무대에 올리는 것은' 합성' 단계입니다. 합성하기 전에 감독은 무대 작업의 모든 측면 (세트, 조명, 의류, 소품, 음향 효과 등) 에 작품의 내용을 소개하고 디자인 요구 사항을 제시하고 방안을 결정해야 한다.

(1) 댄스 세트에서는 작품의 시대를 설명하고 특정 환경을 만들어야 한다. 배경은 간결하고 명확해야 한다.

(2) 무대의 불빛은 춤의 시간, 아침저녁으로 날씨변화, 길상과 액운의 징조, 인물의 내면의 렌더링 등을 보여줘야 한다.

(3) 의상은 인물 신분, 민족의 속성, 의상 색채를 나타내는 데 도움이 되며 캐릭터 성격도 부각시킬 수 있다. 가볍고 몸에 맞고, 아름답고 특색이 있고, 과장되고 왜곡되지 않아야 한다.

합성에는 걷기, 빛 내기, 메이크업 연속, 리허설이 포함됩니다.

A, 무대: 무대 위의 필드, 풍경, 춤의 결합 실험입니다. 배우들에게 무대면과 풍경의 지위를 익히게 하고, 처음부터 끝까지 춤의 배치, 대형, 화면의 위치를 고정시켜야 한다. 동시에 장면과 춤의 구도가 조화를 이루는지 점검한다.

B, 빛: 조명 디자인과 춤 실험입니다. 무용내용의 전시와 배우의 일정에 따라 조명을 고정해야 한다.

C, 메이크업과 리허설: 밴드, 배우, 배치, 조명, 의류, 메이크업, 소품, 음향 효과 등을 포함한 총 합성에 속하는 리허설입니다. 감독이 메이크업을 연출할 때 언제든지 멈춰서 무대의 각 방면의 협조를 조율하고,' 합성' 이 완료되면 리허설을 할 때 단숨에 해내야 한다. 검사, 문제 발견, 추가 조정을 할 수 있다. (데이비드 아셀, Northern Exposure (미국 TV 드라마), 리허설, 리허설, 리허설, 리허설, 리허설, 리허설) 이로써 한 무대에서 공연한 무용 작품이 탄생했다.